Generative Kunst: Die Künstler nutzen KI

Jun 10, 2023

Es ist ein neues Zeitalter für generative Kunst, dank Pixel-Sortierung und Algorithmen-Sieb-Kreativen. Während der NFT-Markt im Wandel bleibt, befassen wir uns mit dem Aufstieg der generativen Kunst und dem Boom der KI-Kunst

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Generative Kunst wird durch die unsichtbare Hand definiert – ein System oder Algorithmus oder KI-gestütztes Designprogramm, das durch die Arbeit mit Variablen und innerhalb der vom Künstler festgelegten Parameter nahezu unendliche Ergebnisse generieren kann. Und für manche ist es die Zukunft. „Die radikalste und interessanteste Kunst findet im Bereich der generativen Kunst statt“, argumentiert der irische Künstler John Gerrard. „Es ist das Werk, das den heutigen Bedingungen am besten entspricht.“

Gerrard ist noch keine 50, wird aber als OG der generativen Kunst eingestuft, ein Titel, mit dem er nicht ganz zufrieden ist. Die meisten seiner Arbeiten – zum Beispiel das faszinierende Farm and Solar Reserve – werden mit Spiel-Engines produziert, obwohl sie nicht klassisch generativ sind. Aber er ist evangelisch, was das Potenzial der generativen Kunst und die Welle jüngerer Künstler angeht, die sie neu definieren. Ein besonderer Favorit ist die deutsche Künstlerin Kim Asendorf. „Er ist ein Programmierer und Künstler, der einen Prozess namens „Pixelsortierung“ erfunden hat“, erklärt Gerrard. „Er schafft eine neue Sprache der Abstraktion, die mit der Zeit immer interessanter wird.“ Geben Sie mir das über jedes Gemälde der letzten 15 Jahre.'

Solar Reserve (2014), von John Gerrard

Vollständige Offenlegung: Gerrard ist ein Asendorf-Sammler. Aber ab sofort und für einen relativ geringen Aufwand könnten Sie es auch sein. Asendorfs Kunstwerke werden als NFTs geprägt und sind auf der generativen Kunstplattform fxhash für nur zwei Tezos erhältlich, was etwa 2 US-Dollar entspricht. Für die Plattform hat Gerrard nun seine eigene Serie kategorisch generativer Kunstwerke, Bone Work, geschaffen.

In den letzten Jahren haben sich fxhash und die Blue-Chip-Art Blocks zu den wichtigsten Plattformen für generative Kunst-NFTs entwickelt. Und für Gerrard führen sie neben anderen die Revolution an. „Ich stelle den Blockchain-Mechanismus als neues Vertriebs- und Ausstellungsmodell hinsichtlich dessen, was er bewirken wird, auf eine Stufe mit der Fotografie“, sagt er. „Ich denke, es ist transformativ.“

Maxim Zhestkov, Bände, 2018

Natürlich gab es generative Kunst schon vor der Blockchain. Viele führen seine Wurzeln auf die Verfahrenskunst von Sol LeWitt und die „zufällig arrangierten“ Arbeiten von Ellsworth Kelly zurück, während die ungarische Künstlerin Vera Molnár in den späten 1960er Jahren als Pionierin der computergenerierten Kunst anerkannt wird. Der englische Künstler Keith Tyson (W*212) schuf Anfang der 1990er Jahre die „Kunstmaschine“, bei der er mithilfe von Algorithmen zufällig Wörter und Ideen generierte, die er in physische Kunst umwandeln konnte, und der amerikanische Künstler Casey Reas, der die offene Kunstmaschine mitgestaltete. Quellprogrammiersprache Processing, produziert seit über zwei Jahrzehnten das, was Gerrard als „langformatige“ generative Kunst bezeichnet.

Im letzten Jahrzehnt oder so haben Kollektive wie teamLab, Universal Everything und a'strict sowie die Künstler Jakob Kudsk Steensen (W*268), Refik Anadol und Maxim Zhestkov immer ausgefeiltere Programme eingesetzt, um fabelhafte, immersive digitale Landschaften zu zaubern Projektionen in physischen Räumen, die eine Entwicklung alternativer digitaler Welten und Lebensformen in Gang setzen.

Insbesondere die in Berlin ansässige Kunststiftung Light Art Space (LAS) hat sich zu einem Schaufenster für großformatige immersive digitale Kunst entwickelt. Es wurde 2019 ins Leben gerufen, debütierte mit einer Refik Anadol-Installation und zeigte seitdem Arbeiten von Kudsk Steensen und Libby Heaney (W*276), die die verwirrende Magie des Quantencomputings in die generative Kunst bringen.

„Wir wollen zeigen, was jetzt relevant ist, aber noch mehr, was die nächsten 20 oder 50 Jahre prägen wird“, sagt LAS-Direktorin Bettina Kames. „Die Nutzung der neuesten Technologien als künstlerisches Medium ist für diesen Ansatz von zentraler Bedeutung. „Wir sind hier, um die Kluft zwischen der Gesellschaft und diesen Technologien zu überbrücken.“ LAS präsentierte kürzlich Ian Chengs Life After BOB: The Chalice Study (W*283), der den längsten und komplexesten Animationsfilm enthält, der jemals in der Unity-Gaming-Engine erstellt wurde.

Ian Cheng: Life After BOB, 9 September - 6 November 2022 at Halle am Berghain, Berlin

Die Asendorf-Variante der generativen Kunst ist eher ruppig, Lo-Fi und explizit algorithmisch und auch seltsam malerisch. Nehmen Sie die fast schon opulente Kunst von Tyler Hobbs, die surrenden Tonbandköpfe von Dmitri Cherniak, die Kunst des Datensatzes von Anna Ridler, die formverändernde Arbeit von Itzel Yard (alias IX Shells), die psychedelischen Landschaften und Porträts von Ellie Pritts, die neu konfigurierten Mythen von Morehshin Allahyari und die Mixed-Media-Collagen von Juan Covelli. Dieser Flügel der generativen Kunst läuft meist auf kleinen Bildschirmen und nicht in großen Räumen und läutet eine postspekulative Blasenära der NFT-Kunst ein, die auf echter Innovation und nicht auf Hype- und Drop-Culture-Ökonomie basiert.

Ursprünglich hätten die meisten Galerien und Kunstmessen einen weiten Bogen um generative Kunst gemacht – mit abstumpfender Wirkung, argumentiert Gerrard. „Sammlern und Galerien ist es gelungen, das Digitale weitgehend außen vor zu lassen, doch dabei haben sie auch die zeitgenössischen Bedingungen außen vor gelassen. Wenn man jetzt auf eine Kunstmesse geht, ist das wie eine Reise zurück ins Jahr 1960, da hat sich nichts verändert. „Das ist gefährlich für Kunst, Künstler und Sammler, weil es ein sehr konservatives Umfeld ist.“ Die Akzeptanz von NFTs in der generativen Kunst sei größtenteils darauf zurückzuführen, dass sie nirgendwo anders hingehen konnten. „Die Kunstwelt hatte keinen Platz für einen Künstler wie Asendorf. In gewisser Weise hat sich die digitale Kunst durch die digitale Plattform einen eigenen Raum geschaffen. Und es explodiert vor unseren Augen.‘

Mnot Abcln B, 2010, von Kim Asendorf

Vor allem Hobbs und Yard explodieren preislich. Letztes Jahr wurde ein einzelner Hobbs-NFT für 3,3 Millionen US-Dollar verkauft, während die Rechte zum Mining von 99 neuen NFTs für 17 Millionen US-Dollar verkauft wurden. Ein einzelner Yard/IX Shells NFT wurde für 2 Millionen US-Dollar verkauft. Es überrascht nicht, dass die großen Galerien nun in einen lautstarken, wenn auch noch unsicheren Ansturm verwickelt sind, sich der Partei anzuschließen. Pace kann zu Recht behaupten, die Nase vorn zu haben. Das Unternehmen startete Pace Verso im Jahr 2021 mit der Mission, digitale und Web3-Tools in die Hände seiner Künstler zu legen. Und letztes Jahr gab es eine Partnerschaft mit Art Blocks bekannt, die mit Gerrards neuer NFT-Serie Petro National startete.

Ariel Hudes, Leiter von Pace Verso, gibt als erster zu, dass der anfängliche spekulative Hype um NFTs und die schlechte Kunst, die einen Großteil davon auslöste, auch andere Galerien abschreckte. Sie argumentiert auch, dass ein sehr starkes Platzen dieser Spekulationsblase langfristig positiv für die Qualität der erzeugten generativen Kunst sei. Für Hudes besteht die Aufgabe nun darin, die Werkzeuge der generativen Kunst in die Hände von Künstlern zu legen und die breitere Pace-Sammlerbasis mit generativer Kunst bekannt zu machen (und ihnen die Hand zu geben, während sie sich durch die komplexen Kryptomechanismen des tatsächlichen Kaufs von NFTs navigieren) – auch und hoffentlich den sehr ausgeprägten Art Blocks-Sammler in das Sammeln physischer Kunst einzuführen. „Ich denke, NFTs haben eine neue Welle von Menschen geschaffen, die sich für Kunst begeistern und über Kunst sprechen möchten“, sagt Hudes.

Fidenza #527 (2021), von Tyler Hobbs

Eines von Hudes‘ Projekten ist die Einführung von NFTs durch die Malerin Loie Hollowell. Die Serie „Contractions“ basiert auf Hollowells „Split Orb“-Gemälden, einer typisch üppigen, halbabstrakten Meditation über die Geburt. Hollowell und Pace Verso ließen einen Algorithmus verschiedene Elemente der Originalstücke bearbeiten, um 280 einzigartige, generative NFTs zu erstellen. Hollowell, die sich selbst als Idiotin bezeichnet, sagt, der NFT-generierende kreative Prozess sei „organisch“ gewesen. „Es gab diese spontanen Formen, die ich in meiner Praxis verwende und die ich nicht im Rahmen des NFT produzieren wollte“, sagt sie, „aber sie präsentierten sich trotzdem.“

Für Hudes und Gerrard funktioniert generative Kunst am besten, wenn der Künstler die Variablen im Spiel genau unter Kontrolle hat und eine klare Vision hat. „Für mich sind einige der technisch komplexesten Stücke am wenigsten interessant“, sagt Hudes. „Man sieht Videospiel-artige Darstellungen dieser dystopischen Welten und sie sehen fantastisch aus.“ Aber es macht es nicht zu guter Kunst. „Man muss dem Auge des Künstlers Vorrang vor dem Computer geben.“

Contraction #166 (2022), von Loie Hollowell

Kames verfolgt einen etwas anderen Ansatz. „Künstler sind oft die Ersten, die mit neuen Technologien experimentieren“, sagt sie. „Nehmen Sie Jakob Kudsk Steensens virtuellen Berl-Berl-Sumpf, für den er in einer Game-Engine eine völlig neue visuelle Sprache geschaffen hat.“

Für Gerrard liegt der Schlüssel tatsächlich in der Demokratisierung und besseren Zugänglichkeit dieser digitalen Tools. Besonders begeistert ist er von WebGL, einem browserbasierten 2D- und 3D-Designprogramm. „Es ist eine aufstrebende Kultur“, argumentiert er. „Und es werden verschiedene Formen der Komplexität entstehen – räumliche, zeitliche und konzeptionelle Komplexität.“ „Es fängt wirklich alles gerade erst an.“

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